La propagande est autochtone, la vérité vient d'ailleurs.

Alice Parizeau | La charge des sangliers

Till We Meet Again de Joseph Hirsch (1942).

Boy Commandos #8 de Cazeneuve et Farr (Couverture de Jack Kirby).

Dans le comic book Boy Commandos #8 (Cazeneuve et Farr • DC Comics) le cover artist Jack Kirby parodie l'affiche de propagande américaine de la Seconde guerre mondiale: Till We Meet Again de Joseph Hirsch sur la couverture de la BD. Ici, Rip Carter à la même carrure, le même uniforme et le même visage que le soldat, quant à lui Andre Chavard adopte la même posture avec son salut de la main. Et à leurs côtés pour compléter le commando, on trouve aussi Alfy Twidgetts, Jan Haasan et Dan Turpin.

Quand on pense à la Seconde Guerre mondiale, on a souvent en tête les images en noir et blanc des actualités ou les films épiques. Mais en coulisses, il y avait l'art, et notamment les affiches de propagande, qui jouaient un rôle essentiel. Et c'est là qu'intervient Joseph Hirsch (1910 - 1981), un artiste américain ultradoué, avec son œuvre Till We Meet Again (que l'on pourrait traduire par "Jusqu'à ce que l'on se revoie").

Créée en 1942, cette illustration n'est pas sortie de nulle part. Elle est née en pleine effervescence du début de l'engagement américain dans le conflit, juste après Pearl Harbor. Le pays avait besoin de deux choses: galvaniser le moral des troupes et, surtout, financer la guerre. Le contexte ? La campagne de vente de War Bonds (Bons de guerre). L'illustration de Hirsch n'est donc pas faite pour un musée. C'est un outil de persuasion, commandé par le gouvernement américain, pour inciter les citoyens à prêter de l'argent à l'Etat, transformant ainsi chaque petit achat en un geste patriotique.

Ce qui frappe immédiatement avec Till We Meet Again, c'est son style. Hirsch, qui était un peintre de talent et un illustrateur reconnu, a opté pour une approche réaliste, mais idéalisée. L'œuvre a été réalisée en peinture à l'huile, ce qui lui donne une profondeur et une richesse de texture que le dessin seul n'aurait pas. On apprécie d'ailleurs le travail sur la matière des uniformes et l'aspect brut du métal. Son style est ancré dans le réalisme social américain de l'époque, qui met l'accent sur la figure humaine. Le soldat n'est pas une silhouette vague, mais un portrait vivant, grâce à une lumière travaillée pour créer un maximum de drame et de relief (le fameux clair-obscur). Cela rend le personnage tridimensionnel et incroyablement présent.

Attardons-nous sur les caractéristiques visuelles de l'œuvre. Bien que l'original soit une peinture de taille standard pour l'illustration, l'œuvre a été diffusée en tant qu'affiche de propagande, donc généralement sur de grands formats pour être vue de loin. La palette est dominée par des tons chauds et terreux: l'ocre et le kaki de l'uniforme contrastent avec les gris froids du métal du navire. Ces couleurs sont rassurantes et évoquent la solidité et le travail. Le seul éclat de couleur vive est le rose des lèvres et des joues du soldat, signalant la santé et l'optimisme. La composition est géniale car elle est construite autour d'un cercle (le hublot ou la trappe) qui cadre parfaitement le visage et le geste d'adieu du soldat. Ce cadre rond, entouré des boulons gris, symbolise la séparation, mais aussi la fenêtre à travers laquelle on aperçoit l'espoir. Le soldat est placé en diagonale, créant un mouvement dynamique et un sentiment d'élan vers l'avant.

L'illustration nous plonge directement dans la scène d'un départ. Au premier plan, on trouve un mur d'acier gris, qu'on devine être celui d'un navire grâce au cordage. En bas, le message clair et percutant: "BUY WAR BONDS" en lettres jaunes, rappelant l'objectif de l'affiche. Au centre, émerge d'une ouverture ronde, le buste d'un jeune soldat américain. Il est vêtu de son uniforme et de son équipement. Il est en train de dire au revoir avec une main levée, large et franche, qui s'étend vers le spectateur, créant une forte interaction. Mais le plus important, c'est son expression: il sourit. Ce n'est pas un visage déchiré par la tristesse du départ, mais un sourire contagieux, plein de confiance et de résolution. Enfin, l'inscription "TILL WE MEET AGAIN" est écrite à la craie, comme un mot laissé à la hâte sur la coque du navire par un être cher. C'est l'ultime touche émotionnelle.

Contrairement à certaines affiches où les modèles sont des célébrités ou des héros, ce soldat est le GI Joe universel. C'est le fils, le frère, le petit ami que la nation envoie au front. Joseph Hirsch utilisait souvent des gens ordinaires, des amis ou des modèles professionnels, mais dans cette affiche, son but n'est pas de faire un portrait, mais d'incarner une idée: l'optimisme américain. Ce jeune homme en pleine forme, riant malgré l'inconnu, est le reflet de l'image que le gouvernement voulait donner de ses troupes: joyeuses, résolues, et surtout, certaines de revenir. On pourrait dire que le modèle est l'Américain moyen, partant faire son devoir avec le sourire, le voisin que l'on est fier d'aider en achetant un bon.

Interpréter cette œuvre, c'est décrypter le message caché sous le sourire, et on peut y voir avant tout un Pacte de Confiance. Le message du soldat est: "Je pars faire ma part (risquer ma vie), faites la vôtre (achetez des bons)." Il y a un échange d'engagement, et le sourire est une assurance-vie émotionnelle qui dit: "Ne vous inquiétez pas, je reviens !" C'est un moyen très efficace de désamorcer l'anxiété du public. Hirsch évite d'ailleurs tout pathos: il n'y a pas de larmes, pas d'angoisse. L'accent est mis sur la joie des retrouvailles futures, et non sur la tristesse de la séparation. Enfin, le soldat, jeune, beau, et plein de vitalité, représente l'idéal de jeunesse et la pureté de la cause. Cependant, on peut émettre une critique: ce sourire radieux est une simplification optimiste de la réalité brutale du front. C'est un peu un cheval de Troie émotionnel: on achète le bon de guerre pour protéger ce sourire, mais on ignore délibérément la violence et les dangers qu'il va affronter. C'est le rôle de la propagande: masquer l'horreur par l'espoir.

Dès sa parution, Till We Meet Again est devenue l'une des images les plus répandues des campagnes de bons de guerre, symbolisant l'adieu simple et courageux. De nos jours, l'œuvre est toujours considérée comme un document historique majeur et une pièce d'art de propagande très réussie, étudiée dans les cours d'histoire de l'art et de communication. Son influence réside dans la manière dont elle a établi le standard du héros simple des affiches de guerre, contrastant avec les figures musclées et surhumaines que l'on voyait parfois. Bien que moins iconique que le We Can Do It! de J. Howard Miller, Till We Meet Again reste une œuvre fondatrice du langage visuel de l'effort de guerre. Elle prouve qu'un simple hublot, un uniforme kaki et un grand sourire peuvent rapporter des millions de dollars.

La propagande ne se pose pas de questions morales.

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